UPAINT Monaco 2026 est de retour du 21 au 25 Juin sur la magnifique Promenade du Larvotto pour une nouvelle expérience artistique inoubliable. La 10ème édition de votre festival de street art monégasque revient cette année pour célébrer 10 éditions de fun, de couleur, et d'impact.
UPAINT continue à soutenir de nombreux projets de la Fondation Prince Albert II, avec la vente aux enchères d'œuvres d'art créées par les 15 incroyables artistes internationaux invités à participer.
C'est une occasion spécial d'acquérir une pièce unique créée en live à Monaco!
En commençant par la "Fête de la Musique" le 21 juin, avec des performances musicales pour l'occasion, UPAINT promet d'être une expérience riche en émotions et divertissement pour les visiteurs de tout âge: de la street art en live pendant 5 jours avec nos artistes internationaux, aux installations intéractives pour le public, le tout au sein du village UPAINT avec DJs, boissons, et le sens de passer à l'action pour la protection de l'environnement, le tout sous le soleil resplendissant de la Principauté.
Cette année, la vente aux enchères, toujours en partenariat avec l'Hôtel des Ventes Monte-Carlo, se tiendra le jeudi 25 juin, permettant ainsi aux collectionneurs et amateurs d'art d'avoir plus de possibilités de remporter l'une des magnifiques oeuvres d'art créées par nos artistes talentueux. Les enchères seront ouvertes en ligne et en physique dans le village. Les détails seront disponibles très prochainement.
Découvrez le catalogue des oeuvres à la vente: à venir.
Visitez notre UPAINT Store et retrouvez des prints, sérigraphies et autres marchandises à la vente!
Découvrez les Artistes
cacao rocks
chanoir
dario vella
juanjo surace
harry james
misterpiro
mr. one teas
andrea "ravo" mattoni
tiffany anna & woodIE
theo lopez
tim marsh
rylsee
tones
sven
PEZ & CHICADANIA
Andrea Ravo Mattoni est né à Varèse (Italie) en 1981. Il vit à Varèse et travaille entre l’Italie et la Suisse.
Andrea Ravo Mattoni est principalement connu pour son projet de Récupération du Classicisme dans le Contemporain. L’artiste reproduit sur de grandes façades les chefs-d’œuvre des maîtres de la peinture classique, de Léonard de Vinci à Jean-Léon Gérôme, faisant preuve d’un grand virtuosité dans la transposition de ces tableaux à la bombe aérosol.
En 1995, il commence son parcours de writer sous le nom de Ravo, une activité qu’il poursuit jusqu’au début des années 2000, lorsqu’il s’inscrit à l’Académie des Beaux-Arts de Brera, où il se consacre à la peinture à l’huile et à l’acrylique sur toile. Pendant ces années, il fonde avec Filippo Salerni le collectif artistique The Bag Art Factory, basé à Bovisa.
En 2016, invité par le festival Urban Canvas organisé par WG Art, il reproduit La Prise du Christ de Caravage sur un pilier du viaduc en face du centre commercial Belforte, à Varèse. Ce projet marque le début de son initiative la plus célèbre: Récupération du Classicisme dans le Contemporain.
Depuis, il reproduit à la bombe les œuvres des grands maîtres de la peinture classique sur les murs des villes de toute l’Europe, et même au Brésil.En 2021, il découvre l’intelligence artificielle générative, ouvrant ainsi une nouvelle voie dans son parcours artistique grâce à cette entité génératrice d’art.
Suivez-le ici: @andrea_ravo_mattoni
andrea "ravo" mattoni
cacao rocks
Cacao Rocks est un artiste multidisciplinaire basé à Athènes, en Grèce. Issu de la scène dynamique du street art de la ville, son travail fait le pont entre le graffiti, l’illustration, la peinture et l’installation, formant un langage visuel distinctif influencé à la fois par la culture urbaine et les traditions artistiques classiques. Son œuvre et son activité artistique ont été mises en avant dans des médias internationaux, notamment le New York Times, le National Geographic et The Guardian.
Au fil des ans, Cacao Rocks a étendu sa pratique au-delà de la rue pour s'étendre aux galeries, aux institutions et aux collaborations internationales. Son travail a été exposé dans de nombreuses fondations, musées et galeries, notamment au Musée Benaki, au Centre culturel Onassis, aux Galeries Kalfayan et à la Galerie AG18, entre autres. Ses œuvres font partie d'importantes collections d'art telles que la Fondation B&E Goulandris et la Fondation Antony E. Comninos, ainsi que de collections privées à travers le monde.
Il a collaboré avec des marques internationales telles que Nike, New Balance, Rémy Cointreau et WeTransfer, entre autres. Il a représenté la Grèce à la Biennale des jeunes artistes de la Méditerranée 18 et a reçu le prix ARTWORKS de la Fondation Stavros Niarchos.
Son travail a été exposé à travers l'Europe et au-delà, tout en conservant un lien étroit avec l'espace public et le caractère immédiat de l'expression urbaine. Cette double présence permet à sa pratique d'évoluer avec aisance entre différents contextes, remettant en question les frontières traditionnelles entre les beaux-arts et la culture urbaine. Au fil des ans, il a participé à plus de 50 expositions collectives et festivals à travers l'Europe et les États-Unis, et son travail a été présenté dans plusieurs ouvrages et documentaires.
Suivez-le ici: @cacaorocks
chanoir
Au milieu des années 90 il impose un logo unique et évolutif dans les rues Paris: Chanoir.
Les CHA prennent vie sur les murs et communiquent leurs sentiments aux passants. Instinctif, naïf et toujours positif.
Il rentre aux beaux arts de Paris et obtient son diplôme en 2002 auprès de Jean- Michel Alberola.
Il côtoie alors les peintres de la figuration libre dont il fait le pont avec le post graffiti.
Il ajoute à ses moyens d'expressions la performance, l'installation, la photographie, les collections, l'art vidéo et s'inscrit dans le mouvement de l'art modeste.
Artiste nomade il devint extrêmement actif sur les murs de Barcelone et réalise le documentaire "Murs Libres" autour des plus belles années du graffiti barcelonais.
Il y fonde alors le collectif 1980.
En 2003 il investit la scène artistique colombienne en proposant de nombreuses expositions dans des galeries et au musée d'art moderne de Bogota. Il popularise le graffiti tel qu'on le pratique en Europe.
Il entame alors une carrière international de Miami à Los Angeles, de Beijing au Costa Rica en passant par Rome, Londres ou Bruxelles.
Son travail se nourrit de ses souvenirs d'enfant et utilise la force du déguisement pour sans cesse se métamorphoser.
Suivez-le ici: @chanoir1980
dario vella
Né en 1979 à Piombino (Livourne),
Il a manifesté très jeune un penchant pour les arts figuratifs.
Ayant choisi la filière artistique à l'école, il a suivi en parallèle des cours au lycée artistique, tout en cultivant sa passion pour le graffiti.
Invité à de nombreuses manifestations nationales et internationales grâce à son art, il a travaillé après ses études comme designer dans une agence de publicité pendant quelques années.
Cependant, sa soif d'expression artistique l'a poussé à démissionner en 2008 pour se consacrer entièrement à l'art.
Initialement marqué par le style du graffiti, son parcours artistique a évolué vers des thèmes introspectifs et sociaux.
Privilégiant la peinture, Dario ne se limite pas à un seul support, expérimentant avec différents matériaux et franchissant la frontière entre peinture et matérialité dans ses œuvres.
Depuis 2011, Dario Vella a noué d’importantes collaborations avec des galeries d’art, marquant un tournant décisif dans sa carrière.
Ces partenariats ont contribué à consolider et à développer davantage son parcours artistique, lui ouvrant de nouvelles opportunités d’exposer et de partager sa vision créative avec un public plus large.
Suivez-le ici: @dariovella
juanjo surace
Juanjo Surace est né à Mar del Plata, en Argentine, en 1977, et a débuté son parcours artistique en autodidacte en 1995. En 1998, il a émigré à Barcelone où il a rapidement commencé à travailler comme animateur 3D, animateur 2D et illustrateur sur diverses séries télévisées, films, jeux vidéo et projections pour des productions théâtrales.
En 2009, il a produit, réalisé et animé le court-métrage « La confesión de Saduj », qui a été officiellement sélectionné dans 62 festivals de cinéma à travers le monde et a remporté cinq prix.
En 2013, il a présenté son exposition solo « Esa extraña compañia » à la Fousion Gallery de Barcelone. Au cours des années suivantes, il a exposé son travail de sculpteur et de peintre dans des galeries et des salons d'art en Espagne, en France, en Argentine, aux États-Unis et en Allemagne.
De 2014 à 2022, il a enseigné l'animation traditionnelle, la modélisation 3D, le stop motion et la conception de personnages à l'École supérieure de cinéma de Catalogne (ESCAC) et la sculpture à l'université Pompeu Fabra.
En 2017, il s’est lancé dans la réalisation de fresques murales, intervenant dans des espaces publics, une activité qu’il poursuit encore aujourd’hui.
Actuellement, ses fresques murales sont visibles en Espagne, en Argentine, en Italie, aux États-Unis, au Portugal, en Roumanie et en France.
Suivez-le ici: @juanjosurace
Inspiré par son défunt père qui peignait en amateur, Harry James se met très tôt au dessin.
En banlieue parisienne, il peint ses premiers murs à la bombe aérosol et bat le rythme avec sa bouche (human beat box) pour son ami rappeur qui deviendra connu sous le nom d’MC Solaar.
Rattrapé par la réalité, il présente son art book de graffeur et est embauché comme décorateur à Disneyland Paris (avant l’ouverture du parc au public).
Il fait un passage remarqué, si bien que la société Walt Disney Imagineering lui confie la rénovation des peintures du château pour les 20ans de Disneyland Paris.
Parallèlement HJ continue d’évoluer au sein des cultures urbaines, dorénavant il peint à l'acrylique.
En 2012, il remporte les « Art Battles » au cœur de Paris (compétition de live painting qui réunie une sélection des meilleurs street artistes français)
Fasciné par le règne animal, et interrogatif sur la place de l’homme dans l’écosystème, HJ juxtapose son éco-anxiété à travers ses personnages thérianthropiques où l’anatomie de l’homme et de l’animal se mêlent dans un style à la fois urbain et distingué.
Suivez-le ici: @harryjamesparis
harry james
misterPIRO
Andrés Sánchez, connu sous le nom d'artiste Piro (Plasencia, 1994), est un artiste plasticien dont la pratique se caractérise par l'extension de la peinture vers de nouveaux médias, de nouvelles échelles et de nouveaux contextes. Diplômé en design de l'université Complutense de Madrid, où il est actuellement basé, et figurant sur la liste Forbes « 30 Under 30 », il a débuté sa carrière dans l'espace public sous le pseudonyme de Misterpiro. Cette période fondatrice lui a permis d'acquérir une maîtrise technique de l'échelle monumentale et une capacité d'adaptation à l'environnement qui restent au cœur de son travail.
Depuis son atelier de Carabanchel, son travail a évolué vers une pratique aboutie qui hybride la recherche picturale et l’installation à grande échelle, s’exprimant avec le même naturel dans des contextes institutionnels, des espaces architecturaux singuliers et des projets collaboratifs interdisciplinaires. La couleur, comprise à la fois comme matière et comme expérience, est l’axe qui ancrent une proposition où le gestuel et l’espace coexistent dans un dialogue permanent.
Suivez-le ici: @misterpiro
Mr. OneTeas a commencé le graffiti en 2005. Autodidacte, il développe son style au fil des voyages, des rencontres et des échanges, laissant son empreinte dans les rues des grandes villes internationales. Son travail se concentre sur l'obsolescence programmée en donnant une seconde vie aux matériaux et objets de consommation du passé tout en illustrant les maux de notre société. Il puise son inspiration dans l'environnement médiatique, politique et culturel. En détournant les images et l'actualité, il nous offre sa vision critique de la société, empreinte d'humour et d'originalité.
En 2019, il réalise sa première rétrospective muséale à la Galerie Lympia, une ancienne prison de Nice, avec l'exposition « Reality Show 2.0 » traitant des différents maux de la société actuelle, en mettant le spectateur face à de nombreuses dérives de notre réalité.
Suivez-le ici: @mroneteas
mr. one teas
rylsee
RYLSEE est un artiste suisse basé à Berlin. Issu du graffiti et profondément marqué par la culture skate, il développe un travail autour du langage, de la perception et de nos façons de communiquer.
Connu pour son approche singulière du texte, il joue avec la typographie et les codes du langage, tout en donnant vie à son univers à travers des personnages récurrents, souvent sous forme de petites âmes ou de figures mécaniques. Son travail, toujours teinté d’humour, explore les décalages entre ce que l’on lit, ce que l’on voit et ce que l’on comprend.
À travers ses œuvres, il observe les comportements humains, les interactions et les mécanismes de pensée, en se prenant lui-même comme premier terrain d’exploration. Les questions d’identité, d’attention et l’impact des technologies et des réseaux sociaux traversent son travail en filigrane.
Au fil du temps, sa pratique s’est étendue du mur vers des formats plus variés, entre installation et objets. Il développe aujourd’hui de plus en plus un travail en volume, où ses recherches prennent forme dans l’espace.
Il collabore régulièrement avec des institutions et des marques internationales, notamment les Jeux Olympiques, TUDOR (groupe Rolex), ainsi que le légendaire Montreux Jazz Festival.
Son travail crée ces moments de bascule où tout semble clair, puis s’ouvre sur autre chose faisant souvent naître un sourire.
Suivez-le ici: @rylsee
sven
Sven est un artiste mulhousien né en 1988. Il est membre du Schlager Club. Il a découvert le graffiti lors de différents voyages. Réellement fasciné par les mélanges des styles des couleurs, il décide de commencer à peindre dans la rue, dans les entrepôts, sur tout type de supports.
Quelques années plus tard il décide de retranscrire ces supports avec leurs irrégularités et leurs reliefs sur toile.
Sven superpose alors les matières à la manière d’un plasticien, ces différentes couches permettent aux œuvres de Sven d’être singulières et reconnaissables au grand regard.
Les toiles de Sven sont également caractérisées par ses lettrages, ses couleurs vives et ses formats parfois spectaculaires. Grâce à son travail, Sven a pu exposer dans différentes parties du monde : New-York, Miami, Paris, Beyrouth, St-Tropez, Cannes, Lausanne, Strasbourg, Toulouse…
Aux cotés de grands artistes comme Banksy, Mr Brainwash, Jorone…
Aujourd’hui il continue son travail de recherches et de matières, ainsi que la mise en valeur des irrégularités que l’on peut retrouver dans la rue avec le Graffiti où le temps a laissé son empreinte…
Suivez-le ici: @svengraffiti
theo lopez
Théo Lopez est un artiste français basé à Barcelone. Sa carrière a commencé en 2008 au sein du collectif 9ème Concept. Depuis, il a exposé à Paris, Genève et Hong Kong, avec une première exposition personnelle à l’âge de 24 ans. Initialement inspiré par l’art tribal, son travail a évolué vers l’abstraction, où le geste spontané dialogue avec une géométrie structurée.
Théo Lopez puise son inspiration dans des courants comme le Musicalisme, le Constructivisme russe et le Blaue Reiter. Il combine réflexion et spontanéité dans une pratique abstraite guidée par l’instinct, centrée sur la matière, la ligne et la couleur. Ses expériences de vie (par exemple un voyage dans la taïga russe en 2018) nourrissent ses peintures dynamiques, où formes organiques et géométriques fusionnent. De la métamorphose émane une poésie hybride. Les différentes couches cohabitent, les couleurs dialoguent, les lignes vibrent et se répondent, la peinture accumulée prend vie. Son art non figuratif, porté par le geste corporel, lui-même guidé par l’esprit, transforme les forces vitales en compositions lumineuses et musicales.
Avec une approche picturale presque sculpturale, Théo transforme le hasard en poésie visuelle. Il a collaboré avec des marques telles que Agnès b., Kave Home ou Desperados, et il est ambassadeur artistique de CHROMATIC by PPG. Fin 2025, il à inauguré sa nouvelle exposition personnelle à la Galerie Larock Granoff à l’occasion du centenaire de celle-ci.
Suivez-le ici: @theo_lopez_artist
tiffany anna & woodIE
Tiffany Anna et Woodie vont créer un mur collaboratif à UPAINT X!
Tiffany Anna est une artiste originaire de Guernesey dont l’utilisation caractéristique de couleurs vives et éclatantes apporte joie et énergie à toutes ses créations. La philosophie artistique de Tiffany est simple mais forte : « L’art n’a pas besoin d’être sérieux… il suffit qu’il vous fasse sourire. »
Depuis sa première exposition solo à Guernesey en 2021, Tiffany a exposé dans plusieurs lieux londoniens, notamment à Chelsea, à la Battersea Power Station et dans l'espace VIP de la discothèque Raffles. En 2023, elle a fait ses débuts aux États-Unis à la Clio Art Fair de New York, puis a récemment exposé à la JARO Gallery de Jersey et réalisé une fresque en direct lors du prestigieux festival d'art urbain UPAINT Monaco 2025.
Suivez-la ici: @tiffanyannaart
Woodie est un tatoueur et artiste de rue dont le style audacieux et reconnaissable allie l'énergie du graffiti à une maîtrise précise et réfléchie. Ancrée dans la culture urbaine et la narration visuelle, son œuvre marque les esprits tant dans les espaces publics traditionnels que dans des lieux inattendus. Il fait preuve d'un engagement profond envers la qualité et d'une passion pour l'expression visuelle à grande échelle.
Woodie a réalisé plusieurs commandes notables, notamment une fresque murale saisissante pour Channel Welders, des glaces colorées et accrocheuses sur L’islet Kiosk et un grand gorille audacieux pour une salle de sport locale. Il a également été sélectionné pour participer à l’exposition d’art public « Diversion 2025 » organisée par Arts for Guernsey.
Suivez-le ici: @tattoosbywoodie
tim marsh
Né à Paris en 1984, TIM MARSH est un artiste urbain vivant et travaillant actuellement à Barcelone. Il pratique la capoeira pendant 15 ans et tire une grande partie de son inspiration de cette période, explorant des motifs tribaux dans les œuvres qu'il réalise à cette époque. En 2006, il rejoint le monde de la mode en tant que créateur de tendances pour les marques de vêtements, expérimente le light painting en 2009 et en devient l'une des figures phares, et dirige en parallèle les pages mode du magazine Snatch jusqu'en 2011.
Il a développé un style architectural très personnel, composant ses œuvres avec des formes géométriques complexes et dynamiques, des motifs et des lignes qui intègrent le mouvement dans la profondeur de ses œuvres bidimensionnelles. Ses créations créent une ambiance théâtrale en s'appuyant sur une palette de couleurs de style rétro qu'il applique avec un spray, de la peinture et un marqueur. Ses compositions se caractérisent par le mélange et la variété des médiums, développant son art grâce à l'utilisation de matériaux et de techniques spécifiques tels que le ruban adhésif, le pochoir et le pinceau dans ses œuvres les plus récentes.
Tim Marsh développe constamment ses techniques, essaie de nouveaux médiums, expérimente son processus créatif et fait écho à son expérience passée dans les sports extrêmes en peignant sur des planches de surf et des planches à roulettes ou d'autres objets fonctionnels. Inspiré par les espaces urbains, il commence alors à exprimer son iconographie en grand format sur les murs et autres supports de rue. Depuis, il a exposé son travail en France, à Malte, en Espagne, à Hong Kong et a travaillé avec des marques telles que, entre autres, Oppo, Apple, Smart Cars, Seat, Armani et Kenzo.
Il vit et travaille actuellement à Barcelone, où il expérimente et perfectionne sans cesse ses techniques, attirant l'attention des spectateurs par des couleurs vives, pour ensuite les amener à réfléchir à ses œuvres, qui traitent pour la plupart de l'actualité mondiale...
Suivez-le ici: @tim_m4rsh
tones
Originaire de Suisse, avec des racines cambodgiennes et une forte inspiration tirée des États-Unis, Tones est profondément ancré dans la scène du graffiti depuis le début des années 2000. Influencé par les fondements du style new-yorkais traditionnel et façonné par ses années de formation au sein des célèbres collectifs EDK et DVS, il a développé une voix distinctive en tant que spécialiste des lettres — où la structure rencontre le mouvement, et où chaque composition est empreinte de rythme, de fluidité et de funk. Ces couches culturelles se fondent pour définir la touche « Tones Rock » : un mélange personnel d’influences qui façonne son langage visuel.
Son travail reflète des années de dévouement à son art, forgé par une exploration constante et des échanges internationaux. En parcourant les continents et en peignant lors de grands festivals, Tones Rock a tissé des liens avec des graffeurs du monde entier, affinant son approche à travers des murs partagés, des sessions en studio et une expérimentation pratique continue.
En poussant ses personnages de B-boy – ses « mugsies » – aux côtés de ses lettres pour créer un langage visuel qui lui est propre, ceux-ci deviennent de véritables extensions de lui-même. Souvent copiées, jamais égalées, ses œuvres sont immédiatement reconnaissables de loin : funky, fraîches et résolument ludiques. Chaque pièce se déploie comme une micro-narration en couches, où les personnages, les lettres et l’environnement interagissent dans une tension dynamique.
Son parcours artistique s’inspire d’influences culturelles issues de villes d’Europe, d’Amérique du Nord et d’Asie. Évoluant avec aisance entre la rue et les galeries, Tones préserve l'énergie brute du graffiti tout en élargissant son vocabulaire à des contextes contemporains.
Au-delà des murs, son travail s'étend à l'illustration et à la mode, à travers des collaborations avec des marques internationales et des institutions culturelles. Cette approche multidisciplinaire lui permet d'évoluer tout en restant fidèle à ses racines.
Au cœur de son œuvre, il établit un équilibre entre précision et spontanéité : là où le contrôle rencontre l'instinct, et où le graffiti dépasse la simple forme pour devenir une expérience.
Suivez-le ici: @tonesrock
pez & chicadania
PEZ & Chicadania réaliseront un mur collaboratif à UPAINT X!
PEZ a commencé à taguer et à peindre des graffitis à Barcelone en 1999, devenant ainsi l’une des figures de proue du mouvement Street Art. C’est à cette époque qu’il a découvert sa capacité à répandre la positivité à travers son personnage désormais emblématique, apportant sourires et bonne énergie aux passants. Au fil des ans, PEZ a beaucoup voyagé, peignant aux quatre coins du monde et adoptant le langage universel de l’optimisme à travers son art.
Né d’une expérimentation et d’un désir de créer quelque chose de constructif sur les murs de sa ville, l’alter ego de PEZ — le poisson toujours souriant — est devenu sa signature incontournable. Présent dans toutes ses œuvres, le personnage prend vie grâce à des couleurs vives, des compositions ludiques et une joie contagieuse, mêlant graffiti classique et pop art expérimental.
PEZ a exposé à l’international dans des villes telles que Barcelone, Paris, Amsterdam, Londres, Berlin, New York, Miami, Los Angeles, Tokyo, Hong Kong, Bogotá et Mexico, entre autres.
Figure reconnue de l’art urbain mondial, le travail de PEZ a été présenté dans des publications de référence sur le street art, notamment Street Logos, Ultimate Street Art et The Art of Rebellion. Il est également apparu dans le documentaire Exit Through the Gift Shop de Banksy et a collaboré avec de grandes marques internationales telles qu’Adidas, Toyota et Reebok. Ses œuvres ont également été présentées lors de grandes ventes aux enchères de street art en France.
Suivez-le ici: @pezbarcelona
Chicadania est une artiste colombienne dont le parcours créatif a débuté dans la sculpture avant de s’étendre à l’art mural en 2017, lorsqu’elle a été invitée à participer à la première édition du Distrito Graffiti Festival à Bogotá. C'est là qu'elle a découvert un nouveau langage artistique à travers la peinture à grande échelle et la puissance émotionnelle de l'art public.
Son travail de murale est profondément personnel, centré sur les portraits de ses deux fils, Ian et Marc. Cherchant à donner à son œuvre une signification plus originale, Chicadania a commencé à peindre leurs visages et à les photographier alors qu'ils jouaient en pyjamas de super-héros ou imaginaient des mondes magiques. À travers ces portraits, elle capture l’innocence, la créativité et l’imagination de l’enfance — une expérience universelle qui touche le public partout dans le monde. À mesure que ses enfants ont grandi, son œuvre s’est également enrichie, avec des fresques murales désormais réparties dans différents pays, reflétant le passage du temps et la vie elle-même.
Influencée par la culture populaire colombienne, Chicadania s’est d’abord essayée aux techniques mixtes et à la sculpture avant de poursuivre ses études en beaux-arts à Barcelone, où elle a affiné son langage artistique et développé son identité visuelle distinctive.
Suivez-la ici: @chicadania
