UPAINT 2023 aura lieu du 4 au 7 juin 2023 sur la Promenade du Larvotto, en bord de plage, à Monaco. Cette année, nous avons l'honneur de présenter le travail d'une liste éclectique d'artistes du monde entier. Cette année, nous continuons à collecter des fonds pour le FPA2 afin de financer l'un de leurs projets environnementaux en cours. RE.Generation est un programme dédié à l'autonomisation des leaders de demain.
Cliquez icipour vous inscrire à la Vente aux Enchères du 7 juin à 18h, organisée par l'Hôtel des Ventes Monte-Carlo, et découvrir le Catalogue des lots d'œuvres.
Découvrez les artistes UPAINT 2023 et leurs histoires ci-dessous...
HAMA WOODS
IENA CRUZ
LORD ANTHONY CAHN
LULA GOCE
MARTIN WHATSON
MON DEVANE
MR ONE TEAS
NILS INNE
ONE TRUTH BROS
RYLSEE
STOM500
WOSKERSKI
HAMA WOODS (Norvège)
HaMa Woods (née en 1981) est une artiste de pochoir basée à Oslo. Son travail témoigne d'un profond respect pour la nature et son lien immédiat avec l'humanité. À la recherche de méthodes pour communiquer l'importance et le renouveau de la nature, les pochoirs de HaMa Woods reflètent intuitivement et introduisent une approche sociologique de l'avidité et de la consommation humaine, et de leur impact direct sur notre environnement naturel.
Son travail se caractérise par l'utilisation de coupes à la main, de pochoirs multicouches et de peinture en aérosol. HaMa espère donner aux spectateurs les moyens de tirer leurs propres conclusions et de repenser les choix qu'ils font et qui ont une incidence sur le présent et le futur. Au cours des dernières années, elle a également développé des sculptures en bronze et en laiton qui racontent la même histoire que ses peintures.
Les œuvres d'art de HaMa Woods sur toile, papier et laiton ont été vendues en Norvège et à l'étranger, et ses peintures murales peuvent être vues en Norvège, à Paris, à Londres, à Chicago, à Hawaï, à Los Angeles et à Denver, pour n'en citer que quelques-unes. Elle est considérée comme une artiste émergente très talentueuse et a été reconnue comme telle en Europe et aux États-Unis.
Suivez-la ici :@hamawoods
IENA CRUZ (Italie/USA)
Federico Massa, alias "Iena Cruz", est un artiste basé à Brooklyn et originaire de Milan, en Italie. Artiste mondialement reconnu pour ses peintures murales à grande échelle, Iena Cruz est souvent sollicité pour son style unique de dessin et de peinture, utilisant des combinaisons non traditionnelles et inhabituelles de médias et de technologies pour exprimer un message sur la préservation et les questions de justice sociale et environnementale telles que le changement climatique.
Le domaine d'expertise de M. Federico Massa est le fruit d'un long parcours d'études, d'efforts et d'engagements considérables en faveur de la véracité et de l'excellence de son art en tant qu'artiste et designer italien. Diplômé de l'Académie des beaux-arts de Brera à Milan, M. Massa a étudié la scénographie et les beaux-arts, apprenant et explorant des techniques innovantes.
M. Massa est un artiste mural reconnu, dont l'art a une signification sociale disponible à tous les passants. Dans les rues des quartiers en pleine mutation de Bushwick et de Williamsburg à Brooklyn, le public peut voir de nombreuses fresques murales de grande taille, colorées et techniquement superposées. Les animaux et la nature y sont souvent représentés et témoignent de ses convictions profondes en matière de conservation.
Il a été invité et sélectionné pour créer des peintures murales publiques ainsi que des peintures en direct, et pour présenter son art dans les foires d'art, les festivals et les galeries les plus respectés. L'art de Massa a une profonde signification sociale et philosophique qui sert tous ceux qui sont touchés par ses images de renaissance spirituelle et d'unité avec la nature. Chacune de ses œuvres d'art offre un dialogue et une expérience du moi supérieur du spectateur.
Ses œuvres apparaissent sur des peintures murales à grande échelle, des toiles mixtes, des sculptures, ainsi que sur d'autres objets personnalisés uniques, y compris, mais sans s'y limiter, la céramique, la mosaïque de marbre, la conception de lampes, les tapis et le textile, produits par des usines prestigieuses et éthiques en Italie, aux États-Unis, en Inde et au Népal.
Suivez-le ici :@ienacruz
LORD ANTHONY CAHN
(France)
ENTRE LES MURS réside un artiste, Lord Anthony Cahn, qui s’est lancé le pari plutôt fou de construire des murs comme l’on construit une époque.
Librement inspiré d’un lieu existant ou de souvenirs de voyages, l’artiste, par ses créations, nous invite à retrouver des lieux, des atmosphères, des lumières ainsi que la poésie qui caractérisent notre époque. Chaque mur est unique et nous donne l’impression d’une photographie de notre société, figée sous le regard de l’artiste.
Reproduire et introduire des murs d’extérieur dans un espace intérieur, ou l’inverse, telle est l’ambition de Lord Anthony Cahn. Déclinés dans des formats distincts, les murs grandeur nature plongent le visiteur dans une configuration qu’il ne maitrise pas. Les murs à échelle réduite, quant à eux, format plus ludique, nous offrent un morceau de vie qui s’invite plus près de nous. L’artiste délivre pour chaque œuvre un titre de propriété comme une preuve de notre existence.
Lord Anthony Cahn a l’art de rendre hommage à ce qui nous entoure, de cristalliser le temps comme il l’a si bien exprimé à travers l’exposition « Gainsbourg Still Alive » de Roberto Battistini , coproduite par la galerie Keza, où le visiteur s’approprie la rue de Verneuil.
Il a réalisé « Victoria » dans l’exposition « Femmes héroïques » au musée de l’Homme.
Il a été en résidence d’artiste au sein du Musée Mobile (MuMo)
Actuellement dans « Extra Muros » à l’Espace Muséal de la Gare de Liège Guillemin en Belgique.
Suivez-le ici :@lord_anthony_cahn
LULA GOCE (Espagne)
Lula Goce est née en Galice, en Espagne. Elle a grandi sous l'influence de l'air salin de la côte, des bernacles, de la bruine et des belles plages qui font la renommée de cette région d'Espagne.
À l'âge de 20 ans, elle déménage à Salamanque et obtient un diplôme en beaux-arts avec une spécialisation en peinture. Elle participe ensuite à des concours et à des bourses, en mettant l'accent sur les sculptures éphémères et les peintures, tant dans les espaces publics que dans les musées et les galeries.
Au cours de cette période, elle découvre le plaisir de transposer son travail de galerie sur les murs, apportant une perspective nouvelle à une scène graffiti très structurée, laissant des pièces iconiques dans les rues et sur les bâtiments abandonnés.
Lula s'est ensuite installée à Barcelone, où elle a obtenu une maîtrise et un doctorat en création artistique à l'université des beaux-arts de Barcelone, en design graphique à la Pauta Formacio et en illustration à l'Escola de la Dona.
Barcelone s'est avérée avoir une scène graffiti underground vibrante, florissante et énorme. Lula fait partie de collectifs artistiques installés dans de vieilles usines comme Hangar, Caminal ou La Escocesa à Poblenou. C'est là qu'elle a rencontré le collectif raw street art, dont elle est devenue membre, et qu'elle a commencé à développer sa technique dans les rues et sur les murs de Barcelone.
Lula a trouvé une révélation dans l'interaction directe avec les spectateurs lors de la réalisation d'une immense peinture murale dans les rues, et dans la force physique que cette technique exige. Le fait que ces œuvres fassent partie intégrante des quartiers pousse Lula à atteindre de nouveaux sommets artistiques.
Au fil des années, Lula a participé à des festivals d'art urbain dans le monde entier, comme 501 SeeStreet à New York, North West Walls organisé par Arne Quinze en Belgique, Waterford Walls en Irlande, Memorie Urbane en Italie, Zona Maco au Mexique, entre autres.
Elle a également participé à des projets dans des centres d'art, tels que la Casa de las Conchas à Salamanque, le Santa Mónica Arts Centrer et le CCCB à Barcelone, pour n'en citer que quelques-uns, et à des expositions à la DDR projects Gallery à Long Beach, CA, et à la Inoperable Gallery, à Vienne, ainsi qu'à la Next Street Gallery à Paris et à la Street Art Place en Italie.
Suivez-la ici :@lulagoce
MARTIN WHATSON (Norvège)
Martin Whatson (né en 1984) est un artiste de rue norvégien connu pour ses gribouillages calligraphiques dans des espaces vides en niveaux de gris. Au cours de la dernière décennie, Martin a développé une esthétique unique combinant des mouvements abstraits et des compositions figuratives au pochoir. Ses œuvres peuvent être considérées comme le reflet de la montée et de la descente des rues, car il recrée symboliquement l'environnement urbain, puis le vandalise pour révéler ses transformations vibrantes.
Ayant grandi à Oslo, Martin a participé activement à la scène graffiti émergente du début des années 90, qui bénéficiait alors d'une tolérance zéro. L'architecture physique de la ville était une source d'inspiration constante, l'élaboration et la destruction de chaque génération contribuant à l'infrastructure urbaine. Les mêmes processus de déconstruction se retrouvent dans les influences créatives de Jose Parla et Cy Twombly. Au début des années 2000, son intérêt pour les couches est devenu plus littéral avec l'introduction de pochoirs dans son travail. Cette évolution le rapproche d'une esthétique simple mais efficace qui, selon lui, peut combler le fossé entre la passion et la spontanéité du graffiti, d'une part, et la fragilité et l'éphémère de la nature, d'autre part. C'est cet équilibre qui définira son approche créative.
Avec autant de travaux sur les murs que sur la toile et le papier, la relation entre la vulnérabilité et la force reste constante dans chaque œuvre. Des personnages délicats et organiques, tels que des papillons, des ballerines et des animaux, sont représentés dans un espace vide en niveaux de gris. Presque stylisées, ces figures minimales sont construites à partir de quelques couches de pochoirs découpés à la main. Les tons cendrés des compositions et les arrière-plans vides rappellent ses toiles alternatives, le béton. Qu'il s'agisse d'une immersion totale ou de l'embellissement d'un détail, les images disparaissent sous des touches expressives de peinture à la bombe, de couleurs et de textures variées.
Les œuvres de Martin sont présentées dans des festivals, des projets, et sur des murs dans le monde entier. Ses œuvres originales se trouvent dans des collections privées et des institutions, et ont fait l'objet d'expositions individuelles dans des villes telles que Tokyo, Los Angeles, Londres et New York.
Suivez-le ici :@martinwhatson
MON DEVANE (Espagne)
Mon Devane est un artiste urbain provenant d’Ourense (Espagne) qui utilise la peinture en aérosol comme outil principal dans tout son travail artistique depuis 2003. Avec de profondes racines graffiti, il a commencé avec la vieille école de style, mais la recherche incessante de son propre style l'a conduit vers une étape marquée, lorsque son travail acquiert un caractère réaliste.
Actuellement, sa peinture se concentre sur la réalisation de portraits dans un style photoréaliste et monochrome. Il travaille sur de grands formats, où il magnifie chaque détail, cherchant à transmettre des regards qui racontent des choses, des vies, des traditions et des histoires. Depuis 2016, il a participé à un grand nombre d'événements et de festivals d'art urbain dans le monde entier, capturant son travail dans des pays tels que les États-Unis, le Mexique, la Jamaïque, la Bolivie, l'Italie, la France, l'Angleterre... et même aux Émirats Arabes Unis. En mars 2021, il a inauguré l'exposition "Las Estrellas del Camino", une grande galerie artistique avec plus de 140 km de voyage le long du chemin français de Santiago.
Suivez-le ici :@mondevane
MR ONE TEAS (Monaco)
M. OneTeas a commencé le graffiti en 2005. Autodidacte, il développe son style au fil des voyages, des rencontres et des échanges, laissant son empreinte dans les rues des grandes villes internationales. Son travail porte sur l'obsolescence programmée en donnant une autre vie aux matériaux et objets de consommation du passé tout en illustrant les maux de notre société. Il puise son inspiration dans les milieux médiatiques, politiques et culturels. En détournant les images et l'actualité, il nous offre sa vision critique de la société, empreinte d'humour et d'originalité.
En 2019, il réalise sa première rétrospective muséale à la Galerie Lympia, ancienne prison de Nice, avec l'exposition « Reality Show 2.0 » traitant de divers maux de la société actuelle, en mettant le spectateur face à de nombreux excès de notre réalité.
Suivez-le ici : @mroneteas
NILS INNE (France)
Nils est originaire de Nice. Préférant sa planche de skate aux bancs de l’école, il parcours d’abord l’Europe et le monde grâce à ses sponsors skate avant de poser ses valises sur la Côte Basque. L’art s’y impose comme une suite logique, instinctive et inéluctable. Autodidacte, c’est à Biarritz que sa fibre artistique prendra finalement le dessus... quoique ! L’Artiste avec un grand A, entier et singulier, parle de skate comme d’un art, et d’art comme il le ferait du skate.
Ses œuvres n’ont pour cadre que son imagination. Pourtant, grâce à un subtil enchevêtrement d’architectures, de personnages, et de couleurs qui laissent libre champs à toutes interprétations, ces oeuvres prennent une dimension universelle, qui séduit amateurs de skate, de street art, comme les amateurs d'art. Il explore techniques, formats, matériaux et supports pour servir sa passion et pour aiguiser son coup de crayon. À la fois peintre, fresquiste et sculpteur, ses architectures “skatables” et autres iconographies naïves, son tracé noir et ses aplats de couleurs au pinceau, ont séduits jusqu'à la célèbre tennis Bensimon, qui s’est laissée te(i)nter ! Une transversalité assumée au service d’une utopie obsessionnelle: l’art du skate.
Suivez-le ici :@nilsinne
ONE TRUTH (Suisse)
Le collectif d'art de rue et de graffiti "One Truth" a vu le jour en 2003 et représente depuis 2010 les frères Pase (1981) et Dr. Drax (1983). Ils ont commencé à pratiquer la street art et l'art urbain en 1998 et ont commencé à peindre sur toile très tôt. Aujourd'hui, ils sont représentés dans de nombreuses collections et ventes aux enchères dans le monde entier.
One Truth a acquis une reconnaissance internationale grâce à la nature hautement reconnaissable de leur signature artistique et de leur imagerie. Ils ont réalisé des œuvres d'art et des œuvres d'art public pour des municipalités et des multinationales, ont remporté des concours nationaux et internationaux et ont été invités par le ministère des affaires étrangères (DFAE) aux Jeux olympiques de Londres en 2012 et au pavillon suisse de l'Expo Milano en 2015. Les One Truth Bros ont été battus lors de multiples ventes aux enchères avec des légendes telles que Banksy, Keith Harring, Obey, Cope2, Kaws, Space Invader, Futura, Blek le Rat, Taki 183, Jonone, Harald Nägeli, et bien d'autres encore. Ils ont réalisé des œuvres pour UBS, la FIFA, la ville de Zurich, le gouvernement suisse et bien d'autres, ainsi que d'innombrables fresques murales dans le monde entier.
En 2016, ils ont collaboré avec la légende "Cope2". En 2020, ils ont rencontré Martha Coper lors de la célèbre exposition "unframed". Ils ont actuellement 6 œuvres dans la collection d'art de la ville de Zurich, et ont participé à l'exposition de 2021 au musée Kunsthalle Bern. En 2022, ils ont lancé leur premier NFT, la collection 500 genesis Dog, qui s'est vendue en seulement 2 heures. Enfin, cette année, en 2023, ils célèbreront le 20e anniversaire de leur carrière avec un film et un livre.
Les One Truth Dogs sont devenus leur marque de fabrique, leurs chiens peuvent être trouvés dans le monde entier sous le hashtag #onetruthdog. Les deux frères adorent leurs deux amis à quatre pattes. Sur rendez-vous, vous pouvez rendre visite aux One Truth Bros dans leur studio à Zurich.
Suivez-les ici :@onetruth_graffiti
RYLSEE (Suisse)
Cyril Vouilloz, AKA RYLSEE, est un artiste suisse basé à Berlin qui a développé sa réputation et ses compétences à travers diverses formes d'art. Allant du graffiti, de la conception graphique, du lettrage à la main et d'une approche avant-gardiste de la typographie. Inspiré des moments de la vie quotidienne, de la ville et de la passion du skate, mêlé à l'envie de faire sourire.
Suivez-le ici :@rylsee
STOM500 (Suisse)
Cultivant un univers délirant et humoristique nourri par l'énergie euphorique des dessins animés, ce virtuose autodidacte originaire d'un village proche de la ville suisse de Bâle multiplie les talents. Formé en tant que graphiste, illustrateur professionnel et graffeur depuis cinq ans, Stom500 est, comme il se surnomme avec humour, un véritable "couteau suisse".
Aérosols, pinceaux, acryliques, grandes fresques murales ou petites toiles : il utilise une variété de médiums et de styles avec une prédilection pour les thèmes animaliers qui, sous le vernis ludique, portent un message pertinent, souvent humaniste ou écologique. Comme ses abeilles tournoyantes ou ses bestiaires apparemment incompatibles, comme le corbeau et le renard, s'inspirent des Fables de La Fontaine.
Suivez-le ici :@stom500
WOSKERSKI (Royaume-Uni)
WOSKERSKI est un artiste muraliste basé à Londres qui peint depuis 1997. Son style est un mélange de street art et de beaux-arts avec des influences graffiti. L'artiste crée souvent des représentations surréalistes de la réalité teintées d'ironie et d'humour. Ses œuvres sont à la fois illustratives et photo-réalistes.
Repoussant constamment les frontières, il combine une variété de médiums et de styles.
Aujourd'hui, l'artiste est reconnu pour ses illustrations vives, ses couleurs vibrantes et ses choix de personnages souvent ironiques et apparemment absurdes qui portent souvent un message pertinent. Son large éventail de travaux va des portraits, des graffitis, de l'illustration alimentaire, de la typographie, de l'art abstrait, de l'illustration numérique et plus encore.
Suivez-le ici :@WOSKerski
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