UPAINT Monaco 2025 est de retour du 13 au 16 Juin sur la magnifique Promenade du Larvotto pour une nouvelle expérience artistique inoubliable. La 9ème édition de votre festival de street art monégasque revient cette année avec une nouvelle dynamique: la Blue Edition. Nous mettons le thème à l'honneur des océans cette année, avec "UPAINT The Ocean" pour s'aligner avec la Conférence sur les Océans des Nations Unies qui se tiendra à Nice (9-13 juin).
UPAINT a accru son impact sur la protection de l'environnement en soutenant de nombreux projets de la Fondation Prince Albert II, et continuera à le faire cette année, avec la vente aux enchères d'œuvres d'art créées par les 12 incroyables artistes internationaux invités à participer.
Avec plusieurs nouveautés cette année, UPAINT promet d'être une expérience riche en émotions et divertissement pour les visiteurs de tout âge: de la street art en live pendant 4 jours avec nos artistes internationaux, aux installations intéractives pour le public, le tout au sein du village UPAINT avec musique, boissons, et le sens de passer à l'action pour la protection de l'environnement.
Cette année, la vente aux enchères, toujours en partenariat avec l'Hôtel des Ventes Monte-Carlo, sera ouverte durant tout la semaine de l'évènement, permettant ainsi aux collectionneurs et amateurs d'art d'avoir plus de possibilités de remporter l'une des magnifiques oeuvres d'art créées par nos artistes talentueux. Les enchères seront ouvertes en ligne et en physique dans le village, du lundi 9 juin au lundi 16 juin. Les détails seront disponibles très prochainement.
Découvrez le catalogue des oeuvres à la vente: A VENIR.
Visitez notre UPAINT Store et retrouvez des prints, sérigraphies et autres marchandises à la vente!
Découvrez les Artistes
Artiste peintre français, il se plait à peindre la vie en mouvement.
D'une chambre recouverte de graffitis aux tableaux contemporains visibles aux 4 coins du monde, Il offre des oeuvres pleines de vie et de couleurs, toutes empreintes de sa signature : le « Courbisme ».
Son style suscite la curiosité des médias qui brossent le portrait élogieux d’un artiste toujours en mouve- ment. Ideat, France 2, le Figaro, M6 au 12h45, Geo Magazine, Elle Déco, l’ont mis en avant.
La genèse de l’art d’Amaury Dubois se situe au point de rencontre de ses années, à se nourrir des couleurs de la rue sur son skate la journée, et entre les pages des livres d’histoire de l’art, le soir. L’artiste ne se considère pourtant ni comme un street artiste, ni comme un artiste d’atelier ou autres étiquettes, mais juste comme un artiste qui se sert de la couleur pour explorer sa passion pour l’art. Peu importe le support. Depuis ses débuts, il n’a eu cesse d’explorer les médiums, fuir l’ennui et le confort créatif en multi- pliant les univers à l’aide de sa courbe… Sa ligne de vie entre la réalité de la surface et les profon- deurs de l’imaginaire… Europe, USA, Brésil, Singapour, Moyen Orient… projet après projet, Amaury Dubois exporte son talent dans le monde entier. Ses œuvres sont exposées dans plusieurs galeries du monde entier, et cohabitent avec les plus grands artistes contemporains dans de nombreuses collections euro- péennes et internationales.
Suivez-le ici: @amaurydubois
Artiste muraliste français, Céz Art peint depuis une dizaine d’année des oeuvres accès sur le thème du bestiaire et de la nature. Il est reconnu pour ses fresques murales pleines de vie qui mêlent illustration et graphisme avec une technique soignée qui allie précision et fluidité. Céz Art puise son inspiration dans la diversité des espèces animales, qu'il étudie et sublime dans des œuvres résolument dynamique et positive. Son style se caractérise par l’utilisation de couleurs vives et saturées, parfois psychédéliques, contrastant avec l'environnement urbain souvent gris et bétonné. Il mêle dans son travail animaux réalistes et éléments graphiques plus abstraits, en créant un dialogue entre l’animal, son environnement et l’espace urbain. Artiste engagé, il cherche a donner ou redonner une place à l'animal sauvage et à la nature dans nos villes, nos vies, à sensibiliser le public à la disparition des espèces et à la nécessité de protéger notre planète. Son travail cherche à éveiller les consciences en célébrant la majesté du monde animal.
Suivez-le ici: @cez.art
Jay Kaes est un artiste espagnol basé à Londres, dont les peintures et les fresques murales ont été exposées dans plus de 20 pays. Son travail a été présenté par de grands médias tels que BBC News, The Independent et Sky News, et a fait l'objet d'articles dans plus de 10 langues. Kaes est titulaire d'une maîtrise en beaux-arts, obtenue grâce à une bourse d'études de haut niveau. Considéré par certains comme le créateur du style « Glitch Pop », Jay mélange le photoréalisme, la bande dessinée et la technologie pour créer des œuvres visuellement frappantes qui remettent en question la perception de la réalité. Son art invite les spectateurs à réfléchir sur la réalité, les encourageant à accepter les imperfections et les différences comme faisant partie intégrante de la beauté du monde.
Le travail de Jay envisage la réalité comme une anomalie, nous rappelant que ce que nous percevons n'est peut-être qu'une illusion.
Jay Kaes a obtenu son master en beaux-arts en 2012 à l'université du Pays basque, grâce à une bourse d'études universitaires. Il a réalisé des peintures murales pour des institutions publiques telles que « The West Link » à Göteborg, en Suède, et « Ayuntamiento de Camargo » à Maliaño, en Espagne, ainsi que pour des entreprises privées telles qu'American Express et Netflix. Il a été sélectionné pour de nombreux festivals tels que le « Wynwood Mural Festival » à Miami, aux États-Unis, le « Yardworks » à Glasgow, en Écosse, et le « Artwalk » à Patras, en Grèce. Son travail comprend des campagnes telles que « No Place for Homophobia » et le lancement de l'album « Walls » de Louis Tomlinson. Ses peintures murales apparaissent également dans des maisons privées à Hong Kong ou en Italie. Kaes a réalisé des performances artistiques en direct lors d'événements tels que la Semaine de la mode de Londres et Secret Walls. Il a transformé une Porsche 911 en voiture d'art et a appliqué son style à des peintures murales au néon au Havana Club, à Malte. Il intègre l'AR dans ses peintures murales. Kaes a participé à une résidence d'invité à G.R.I.D, Glasgow, et a donné des conférences sur l'art comme « Los Artistas Cuentan » à Santander, en Espagne. Ses œuvres ont été commandées par la collection de la Fundación Banco Santander. Parmi les expositions individuelles, citons la NUC Gallery à St. Moritz, en Suisse, et la Galerias Este à Santander, en Espagne. Parmi les expositions collectives sélectionnées, citons « District 13 Art Fair » à Paris, France, 2024, « Art Lives Forever » à l'exposition internationale d'art durable de Taipei à Taïwan, 2022, et « Royal Exchange » à la galerie Red 8, Londres, 2025.
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Telles des allégories du Temps qui passe, les oeuvres de Jordan Harang sont vivantes et en mouvement. La matière organique, omniprésente, y mute, évoluant vers d'autres états. Ces "fragments temporels", mettent en évidence des sujets figuratifs autant que les éléments impalpables qui peuvent s'en dégager (air, énergie, flux, ...), questionnant ainsi la perception de chacun quant à son environnement. Au sein de ses dessins et peintures, l'artiste aborde également parfois les no- tions d'identité, d'habitat et de passages : transitions vers d'autres réalités. Combinant plusieurs échelles d'observation, de l'atome à l'échelle cosmique, ses compositions fournies présentent des mondes imbriqués, souvent inspirés par la science et toujours teintés de poésie et de surréalisme. Résolument onirique et mettant en évidence la matière constitutive de toute chose, son travail sollicite notre imaginaire et nous invite à prendre le temps. De ses divagations métaphysiques, Jordan Harang a réalisé de nombreuses peintures murales de grand format en extérieur, parcourant la France et l'Eu- rope. Dans un contexte plus intimiste, ses productions d'atelier sont régulièrement exposées en galerie et ont été présentées sur de nombreuses Foires Internationales d'Art Contemporain.
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Graffiti-artiste, originaire de Toulouse, il trace dès l’adolescence son itinéraire une bombe à la main… En 1995, à la recherche d’un nouveau support de communication, il crée ses premiers tee-shirts sous la marque « Bullrot », le succès est immédiat. Opposé à la routine, il quitte du jour au lendemain la France pour découvrir la Chine. Dix ans plus tard, l’aventure continue. Il s’installe en 2005 à Shenzhen et fonde « S2one Ltd », s’entourant d’une équipe internationale. Grâce à cet atelier-laboratoire, il acquiert une expérience polyvalente lui permettant de mettre en forme son imagination. SOONE s’exprime dans le design, le graffiti et la mode pour ses propres marques ainsi que pour des sociétés faisant appel à son oeil et à sa griffe pour leur image. Sa volonté d’affirmer ses engagements donne lieu à des objets divers et variés, du design de meubles aux accessoires de fameuses marques… Son travail fait de lui un créateur libre, sans contraintes, ni frontières, laissant au public le soin de découvrir et de partager son monde. Depuis trente ans, il fige et idéalise les mouvements, c’est pourquoi, aujourd’hui, il décide d’exposer ses oeuvres en s’investissant dans des techniques de fabrication alliées à un design surprenant.
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Luca Ledda est un peintre et muraliste italien basé à Turin. Après avoir obtenu un diplôme en illustration à l'Institut européen de design (IED), il a d'abord travaillé dans le secteur de la publicité. Cependant, sa passion pour la narration visuelle l'a amené à se tourner vers le monde de l'art, où il a commencé à traduire ses illustrations sur des peintures murales à grande échelle, découvrant un lien profond avec l'art urbain et le muralisme.
Depuis ses débuts au Festival Concreto au Brésil en 2015, Ledda a participé à de nombreux festivals internationaux et expositions à travers l'Europe et l'Amérique latine. Son travail a été présenté dans des lieux importants tels que le musée STRAAT à Amsterdam, Kunstlabor 2 à Munich, et les instituts italiens de la culture à São Paulo et à Mexico.
Le style distinctif de Ledda se caractérise par des éléments grotesques et surréalistes, représentant souvent des figures qui sont à la fois troublantes et qui donnent à réfléchir. Son art aborde les thèmes du consumérisme, de la dégradation de l'environnement et de la psyché humaine, créant un langage visuel à la fois percutant et réfléchi.
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Mr. OneTeas a commencé le graffiti en 2005. Autodidacte, il développe son style au fil des voyages, des rencontres et des échanges, laissant son empreinte dans les rues des grandes villes internationales. Son travail se concentre sur l'obsolescence programmée en donnant une seconde vie aux matériaux et objets de consommation du passé tout en illustrant les maux de notre société. Il puise son inspiration dans l'environnement médiatique, politique et culturel. En détournant les images et l'actualité, il nous offre sa vision critique de la société, empreinte d'humour et d'originalité.
En 2019, il réalise sa première rétrospective muséale à la Galerie Lympia, une ancienne prison de Nice, avec l'exposition « Reality Show 2.0 » traitant des différents maux de la société actuelle, en mettant le spectateur face à de nombreuses dérives de notre réalité.
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Autodidacte issu du mouvement graffiti, Temponok s’illustre aujourd’hui comme un explorateur du temps et de la fragilité de l’existence. Depuis plus de quinze ans, il développe une œuvre singulière autour d’un motif aussi simple qu’universel : la bulle de savon. Transparente, légère, éphémère — elle devient chez lui le symbole d’une quête poétique, d’une méditation sur le passage du temps.
D’abord imprégné de la culture urbaine et de la peinture aérosol, l’artiste élargit progressivement sa pratique à l’acrylique, l’huile et la résine, enrichissant sa démarche d’une profondeur technique et émotionnelle. Son univers s’éloigne du graffiti pur pour se teinter de vanités modernes, oscillant entre expressionnisme abstrait et surréalisme intimiste.
Chaque œuvre de Temponok questionne l’existence, invite à la contemplation, évoque une mélancolie lumineuse, où la beauté fragile de l’instant devient sujet.
S’il a délaissé les codes du graffiti traditionnel, Temponok n’a jamais rompu avec la rue. Il poursuit à Paris un projet qui l’a fait connaître du grand public : les Street Life Sessions, des fresques réalisées sans autorisation, in situ, dans des lieux surexposés de la capitale. Cette série réaffirme son lien viscéral avec l’urbain, l’instantané, et l’acte créatif libre.
Son travail est exposé régulièrement en France et à l’international, notamment lors d’événements tels que Scope Art Show Miami, Street Art Fest Grenoble, North West Walls (Belgique), Biennale d’art Contemporain de Lyon ou encore au Royal Monceau Paris dans le cadre de Art Attack. Il fait également partie de projets collectifs reconnus comme 100% Paper by Hopare ou Lay Up à Toulouse.
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Théo Lopez a commencé son parcours artistique avec une rencontre déterminante en 2008 au sein du collectif d'artistes 9ème Concept, marquant ainsi son évolution. Ses voyages en Russie, en Israël et aux États-Unis ont élargi sa perspective. À 24 ans, il a présenté sa première exposition solo en 2013, suivie de dix autres à Paris, Genève et Hong Kong. Aujourd'hui âgé de 35 ans, Théo partage sa vision unique. Initialement inspiré par des thématiques tribales, il s'est progressivement tourné vers l'abstraction. Ses premières œuvres étaient marquées par des motifs complexes, tandis que sa recherche actuelle vise à distiller l'essence de sa ligne. Son processus créatif repose sur des gestes spontanés, transformant des courbes aléatoires en formes géométriques structurées.
Abordant la peinture comme un sculpteur, il embrace le hasard et la sérendipité, donnant naissance à une poésie hybride et riche où les couleurs et les lignes résonnent. Théo Lopez s'inspire de mouvements tels que le Musicalisme, le Constructivisme russe et le Blaue Reiter, cultivant une relation poétique avec la matière, la ligne et la couleur. Son processus créatif harmonise réflexion et spontanéité, éveillant des mélodies cachées au sein de son travail. Pour Lopez, l'invention consiste à transformer les techniques et à créer de nouveaux concepts par l'abandon de la figuration, établissant une pratique guidée par l'instinct et une relation unique avec les matériaux picturaux.
Suivez-le ici: @theo_lopez_artist
Tiffany Anna est une artiste née à Guernesey dont les chefs-d'œuvre en acrylique sont caractérisés par une utilisation vive et vibrante des couleurs. Tiffany s'inspire de l'énergie et de la beauté de la nature, dépeignant souvent des animaux sauvages à l'aide d'une palette de couleurs vives, magnifiquement complétée par l'utilisation de peinture en aérosol, de pierres précieuses et de feuilles d'or. L'éthique artistique de Tiffany est la suivante : « L'art n'a pas besoin d'être sérieux... il doit juste vous faire sourire ». Elle s'efforce de faire entrer son public dans le bonheur radieux et euphorique de son art, cultivé par son utilisation brillante et audacieuse de la couleur.
Depuis sa première exposition solo à Guernesey en 2021, Tiffany a exposé dans plusieurs endroits de Londres, notamment à Chelsea, à la Battersea Power Station et dans la section VIP de la boîte de nuit Raffles. Elle a fait ses débuts aux États-Unis à la Clio Art Fair de New York en 2023 et a une portée internationale croissante avec 218k followers sur Instagram.
Suivez-la ici: @tiffanyannaart
Né en Dordogne, un territoire empreint de légendes médiévales, de récits préhistoriques et de mythes locaux, Veks Van Hillik a grandi bercé par les murmures de la nature et les histoires ancestrales. Très jeune, il s’est laissé envoûter par cet univers riche et mystérieux, croquant la faune, la flore, et les ombres fantastiques qui l'entouraient. De cet héritage est né un imaginaire singulier : un bestiaire hybride, peuplé de créatures oniriques et surréalistes, mi-hommes, mi-animaux, qui interrogent autant quelles émerveillent. Ses œuvres, oscillant entre la gravité et l'espièglerie, explorent les mystères de l'humanité, nos vanités, nos croyances et nos angoisses, tout en distillant un éclat d'irrévérence. Inspiré par les primitifs flamands et nourri d'un goût pour l'esthétisme classique, Veks Van Hillik métamorphose chaque toile en une fabuleuse histoire : des contes étranges où les mythes côtoient la poésie et les réflexions écologiques modernes. Depuis ses premières expositions en 2010, ses œuvres ont traversé les frontières, de Rome à New York, de Melbourne à Paris, et son empreinte monumentale orne les murs de villes comme Grenoble et Paris. Véritable alchimiste de l'imaginaire, il
nous invite à plonger dans son cabinet de curiosités, où chaque détail est une porte sur le rêve.
Suivez-le ici: @veksvanhillik
Né en 1977, Vincent Abadie Hafez est un artiste français qui vit et travaille à Toulouse. Il prend part au mouvement graffiti dès 1989, sous le pseudonyme de Zepha. Formé aux arts graphiques, il enrichit sa pratique par l’apprentissage de la calligraphie traditionnelle orientale et occidentale, dont il cherche les interactions plastiques. Influencé par les travaux d’Hassan Massoudy et de Georges Mathieu, il développera un langage visuel unique, fondé sur la déconstruction de la lettre et la portée transculturelle des alphabets. Reconnu pour sa contribution originale au mouvement de la calligraphie urbaine, il participe à la diffusion d’une esthétique nouvelle, en rupture avec les formes picturales jusque-là explorées dans les écritures vandales. L’expression gestuelle et le principe d’immédiateté s’installeront durablement dans son approche, donnant lieu à l’émergence d’un univers artistique en mouvement, qui évoque l’emballement du monde et les dérèglements de notre rapport au temps.
Ses réalisations reposent sur une réécriture abstraite de la calligraphie, dans un style complexe et dynamique. Elles associent une interprétation personnelle du lettrage à un travail ornemental dont le processus est librement chorégraphié. Parmi ces compositions traversées par des flux, on retrouve une variété illimitée de formes et de symboles inspirés des caractères orientaux et occidentaux. Leurs croisements composent des « poèmes visuels » dans un langage qu’il souhaite universel et mémoriel.
Les œuvres de Vincent Abadie Hafez sont visibles dans l’espace public, en France et à l’étranger, où il réalise des fresques monumentales, souvent présentées sous forme de matrices hypnotiques. Confronté à des variations d’échelle radicales, sa pratique murale installe à chaque occasion, les conditions d’une rencontre inédite tant d’un point de vue humain qu’architectural. Parallèlement, il produit un travail d’atelier, décliné sur divers supports. Considérant la matière dans son lien à la mémoire et à la transmission, il explore ses procédés de réemploi et mobilise des techniques artisanales (palimpseste, marqueterie, dinanderie, gravure à l’eau-forte) qui valorisent la fabrication et le geste. Son travail a rejoint d’importantes collections privées et publiques à travers le monde et fait régulièrement l'objet de médiations lors d'expositions thématiques dédiées à la calligraphie contemporaine.
Suivez-le ici: @zepha1
